#Reseña Beautiful Boy, ¿y si mañana te toca a vos?

Reseña colaboración por Micaela Gallo


Beautiful Boy

Dirección: Felix Van Groeningen.

Reparto: Steve Carell, Timothée Chalamet, Maura Tierney.
Género: drama.
Duración min.
Origen: Estados Unidos.

La primera vez que escuché hablar de la metanfetamina fue durante el furor de la serie Breaking Bad, y durante varios años no tuve que volver a pensar en ella. No conozco a nadie que la consuma y en Argentina no es de las drogas más populares, así que asumí que no había razón por la cual preocuparme.

Sin embargo, hoy vuelvo a encontrarme con ella bajo el nombre de speed, aunque esta vez como protagonista de la historia de David y Nic Sheff en la película Beautiful Boy.

Según David Sheff (interpretado por Carell), «preocuparse por un adicto es tan complejo, estresante y debilitante como la adicción en sí misma» y esto es lo que la película intenta ilustrar en sus dos horas de duración.

Entre escenas de llanto desconsolado y múltiples idas a rehabilitación, seguimos el drama al que se enfrenta la familia de Nic (interpretado por Chalamet), adicto a la metanfetamina durante más de seis años, cuando tiene que acompañarlo en el proceso de rehabilitación. El filme apunta a correr el foco del adicto para ponerlo en la familia, que suele sufrir los daños colaterales de esta enfermedad.

 

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En líneas generales, la película está bien. No es necesariamente mala, pero tampoco es extraordinaria. Es una historia con un indudable potencial, ya que está basada en hechos reales y toma como base dos libros que relatan las memorias de Nic y David Sheff, pero su ejecución resulta confusa, desprolija y desordenada.

Si bien se deja ver perfectamente si se le presta atención y se logra disfrutar por momentos, es difícil terminar de adentrarse en lo que nos están contando por la constante falta de conexidad que se siente a lo largo de toda la obra. Muchos de los problemas que afronta Beautiful Boy se dan a nivel guion y en errores que se traslucen en el montaje.

Lo que de verdad se destaca en la cinta son las interpretaciones extraordinarias, en especial la de Timothée Chalamet. Si ya nos había dejado con la boca abierta en Call Me By Your Name, en Beautiful Boy termina de posicionarse como uno de los actores más talentosos y con mayor futuro de la nueva generación de Hollywood. Aunque haya quedado fuera de las nominaciones a los Premios Óscar, su trabajo en este filme es maravilloso y continúa aportando esa autenticidad, profundidad y visceralidad que vuelve memorables a sus personajes. Si bien Steve Carell también está correcto y se luce, las ovaciones se las lleva Chalamet y nos convence de que si hay alguien a quien no debemos perderle el rastro, es a él.

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A pesar de que la realización es un poco atropellada, la película triunfa en un aspecto que merece ser reconocido: pone sobre la mesa la charla sobre la drogadicción. Lejos de reforzar el estereotipo del drogadicto como una persona que vive en la marginalidad, nos presentan a un chico de dieciocho años que podés ser vos, yo o tu mejor amigo, porque la droga no discrimina.

Nic Sheff lo tenía todo: era de clase media, tenía pasión por leer y escribir y una familia contenedora, pero igual se vio atrapado por la metanfetamina. Hay sectores que son indudablemente más vulnerables, pero la droga es un mal que amenaza en silencio y del cual no podemos escapar: está ahí, a la vuelta de la esquina esperando que alguien le abra alguna puerta para poder entrar. Estamos frente a una epidemia y ninguna familia está exenta de ser una potencial víctima de este fantasma.

Beautiful Boy puede no terminar de funcionar como película, pero sirve para que hablemos. Hablemos de Nic Sheff y su familia, pero también de la nuestra. Hablemos de esas doscientas mil personas que mueren anualmente por causa de una sobredosis. Hablemos sin miedo, sin vergüenza, de eso que nos incomoda, que escondemos debajo de la alfombra y fingimos que tenemos lejos. Hablemos de lo que es feo, de lo que duele, de lo que no se puede explicar porque esa es la única manera de sacar los demonios afuera. Negar la realidad no hace que desaparezca, sino todo lo contrario: cada vez que le damos la espalda, se hace más profunda la herida.


Ayer se estrenó Beautiful Boy en todos los cines de Argentina. ¿Ya la viste? Contanos qué te pareció.

«Unsane», una película magistralmente enferma

Steven Soderbergh es el director de esta película que toca los límites de la maldad y los sobrepasa. La película hiperrealista fue filmada íntegramente con un teléfono celular, lo cual le da un tono documental y escalofriante a la historia.

Steven Soderbergh, Claire Foy, and Polly McKie in Unsane (2018)

Sawyer Valentini se mudó de ciudad recientemente para escapar de un acosador, y trabaja en un banco. Un día, buscando participar en un grupo de apoyo mutuo, realiza una consulta psicológica en una clínica privada en la cual es internada en contra de su voluntad.

Los psiquiatras y los enfermeros que la tratan piensan que sufre paranoia. Sin embargo, ella está segura de que el hombre que la acosaba sigue persiguiéndola y ha tomado la identidad de un trabajador de la clínica.

Joshua Leonard and Claire Foy in Unsane (2018)

La película es fuerte y por momentos resulta difícil de digerir. Las sociedades contemporáneas han naturalizados dos formas de violencia hasta volverlas invisibles: la violencia machista y la violencia psiquiátrica.

La protagonista atraviesa un infierno que cualquier mujer que haya sido acosada o psiquiatrizada podrá identificar como real, al tiempo que invisible. En este sentido también se ha vuelto valiosa la consigna feminista «yo te creo, hermana». La película retrata con crueldad y crudeza que a «las locas» nadie les cree.

Juno Temple, Claire Foy, and Zach Cherry in Unsane (2018)

En castellano, unsane significa «insanx», una figura jurídica que representa una condena para muchas personas, porque implica la perdida absoluta de todos los derechos. La insanía, en la jerga jurídica, es la «muerte en vida», que en la película se vuelve la necesidad de la protagonista de sobrevivir al acosador y al manicomio.

Gracias a este tipo de películas podemos ver, comprender y enfrentar una realidad tal cual es. Si estás en un momento sensible, no mires esta película. Pero si querés conocer la mirada de Soderbergh sobre la realidad cotidiana de muchas mujeres psiquiatrizadas, mirala.


 

La importancia de la visibilización

El desamparo, la soledad, la exclusión y la clandestinidad atraviesan Invisible, la segunda película dirigida por Pablo Giorgelli, que narra un drama que va mucho más allá del embarazo adolescente y el aborto.

Los primeros minutos de la película transcurren en silencio, ese silencio que a muchxs incomoda y que será interrumpido por la voz de Guido Kaczka a través del televisor. Este sonido será casi el único que se escuche en ese departamento de dos ambientes del barrio Catalinas Sur, en el sur de Buenos Aires.

Ely, interpretada por Mora Arenillas, es una adolescente de 17 años que estudia en la escuela pública y por las tardes trabaja en una veterinaria para solventarse y colaborar en la casa porque su mamá, única familiar, está desempleada y atraviesa una fuerte depresión. Ely está segura de algo: no quiere continuar con su embarazo. No quiere tener un hijx. Quiere abortar. A partir de esta decisión tendrá que buscar el cómo.

Como muchas jóvenes, junto a su mejor amiga buscará la solución en Google. La forma más sencilla según el buscador es hacerlo con pastillas. Qué es el misoprostol, dónde y cómo conseguirlo, cómo suministrarlo. Ely comprobará que en las farmacias se niegan a venderlo, al menos de forma legal.

 

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Arrastrada por el progenitor, también evaluará la opción de realizarse una intervención quirúrgica donde la enfermera y secretaria de un «ginecólogo profesional» (como ella misma lo describe) contará cada billete de los muchos de $100 que Ely le entregará al llegar a la casa que funciona clandestinamente como clínica.

La película refleja el desamparo desde las instituciones del Estado. La escuela como ese espacio que muchas veces solo implanta contenidos aburridos para lxs estudiantes mientras falla en brindar la contención y el apoyo que se necesitan en situaciones como la de Ely.

Otra crítica la recibe el hospital público donde una médica, frente al planteo de la adolescente convencida de no continuar con su embarazo, le aconseja que lo hable con su familia, con el padre y le deja bien en claro que la única ayuda que puede darle es la derivación al cuerpo de psicologxs del hospital.

Invisible es dura, conmovedora pero sin apelar al golpe bajo. Tampoco es una película militante aunque sí claramente crítica y política. Quizás sea o no casual su estreno. Llegó a las salas el 8 de marzo, con las calles colmadas de mujeres, dos días después de la séptima presentación del proyecto de ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo (IVE) de manos de la Campaña Nacional por el Derecho al Aborto Legal Seguro y Gratuito.

Salas donde puede verse esta semana (se actualiza casi todas las semanas):
Bs. As.: Cine Gaumont
Río Negro: Cine Teatro Español – Espacio INCAA Cinco Saltos
La Pampa: Espacio INCAA Santa Rosa

 

La metamorfosis

Los trastornos alimenticios están relacionados con el enfoque obsesivo que se tiene tanto en la comida como en el peso, y que incluye, por ejemplo, la manía de contar la cantidad de calorías que se ingiere en cada comida. Las más comunes suelen ser la bulimia y la anorexia, y muchas veces están conectadas con el acoso o las burlas (por cuestiones estéticas) que se reciben por parte de otras personas, incluso de la propia familia.

Aquellxs que sufren de este tipo de trastornos vinculados con factores biológicos, psicológicos, emocionales y personales, entre otros, encuentran un refugio en la comida. Pero, después del atracón, llega la angustia y una nueva dieta a seguir o un método conocido para eliminar lo que se acaba de ingerir, el vómito.

La carga emocional que aísla, avergüenza y por sobre todas las cosas genera una profunda tristeza y ansiedad, puede dar el pie para iniciar el cambio del cuerpo. Mirarse al espejo duele, pensar en unx mismx duele y buscar la vía más rápida para alcanzar lo que se desea suele ser la solución.

Según Family Doctor, los cambios en la alimentación suelen ser regulares, se omiten comidas y se generan otras transformaciones, que a veces son obvias pero en otros casos no, y con frecuencia aquellxs que padecen trastornos alimenticios intentan ocultarlo de todas las maneras posibles.

Everyday Feminism publicó un poema escrito por Blythe Baird (21), quien padeció un desorden alimenticio y decidió expresarlo a través de la escritura:

«El año de las gelatinas sin azúcar,
tomamos ‘Vitamin Water’ y vodka,
brindamos por la secundaria y la supervivencia
mientras nos halagábamos los huecos entre nuestros muslos.

Probamos las dietas que encontramos en Internet:
cigarrillos mentolados, comer frente a un espejo, donar sangre,
reemplazar comidas por otros pasatiempos prácticos
como hacer coronas de flores o desmayarse.

Preguntarme por qué no había tenido mi período en meses,
o por qué el desayuno tenía sabor a derrota,
o de cuántas otras formas más productivas podría haber gastado mi tiempo hoy
además de googlear cuántas calorías tiene el pegamento de un sobre,
o ver America’s Next Top Model como si fuera el evangelio,
o encorvarme desnuda sobre la pesa del baño,
llorando sobre un plato vacío de cereales,
porque sólo me siento linda cuando tengo hambre.

Si no te estás recuperando, te estás muriendo.

Cuando tenía dieciséis, ya había experimentado tener sobrepeso, bajo peso, y obesidad.

Cuando niña, “gorda” era la primera palabra que la gente usaba para describirme, lo cual no me ofendía hasta que descubrí que se suponía que debía hacerlo.

Cuando perdí peso, mi papá estaba tan orgulloso que comenzó a llevar mi foto del ‘antes’ y el ‘después’ en su billetera, tan aliviado de haber dejado de preocuparse de que contrajera diabetes, porque él había visto un programa con una noticia sobre la ‘epidemia de la obesidad’.

Me dijo que estaba muy feliz de verme, al fin, cuidándome a mí misma.

Si desarrollas un trastorno alimentario cuando ya estás flaca, vas al hospital.
Si desarrollas un trastorno alimentario cuando no estás flaca, eres una historia de éxito.

Así que cuando me evaporé, todos me felicitaban por estar saludable.
Niñas en la escuela que nunca me habían hablado antes
me detenían en el pasillo para preguntarme cómo lo había hecho.
Yo les dije: ‘Estoy enferma’.
Ellas me dijeron que no, que era una ‘inspiración’.

¿Cómo podría no haberme enamorado de mi enfermedad?
¿Con tener el tipo de silueta de la cual, se supone, la gente se enamora?
¿Por qué habría querido dejar de estar hambrienta cuando la anorexia era la cosa más interesante de mí?

Entonces, qué afortunada soy de ser aburrida ahora.
La manera que no te lleva al hospital es aburrida,
la manera de mirar una manzana y ver sólo una manzana
y no sesenta, o media hora de sentadillas, es aburrida.

Mi historia puede ahora no ser tan emocionante como solía serlo
pero, al menos, no hay nada que contar.

La calculadora en mi cabeza finalmente se detuvo.

Me encantaba la sensación de beber agua con el estómago vacío,
esperar que la frialdad se deslizara hasta el fondo y aterrizara en el fondo,
no obsesionada con estar vacía pero temerosa de estar llena.

Solía estar orgullosa cuando tenía frío en una habitación cálida;
ahora, estoy orgullosa de haber dejado de buscar venganza contra este cuerpo.
Este fue el año de comer cuando tenía hambre, sin castigarme.

Y sé que suena ridículo, pero esta mierda es difícil.

Cuando era pequeña, alguien me preguntó qué quería ser cuando fuera grande.

Y yo dije ‘pequeña’».

Sophia Bugueño, una jóven chilena entrevistada por BioBioChile, sostiene que:

“Esto parte como un juego, pero cada vez se va apoderando más y más de ti. Ya no puedes controlar tu mente, no dejas de escuchar esa voz que te impide comer. Esa voz que te dice que estás gorda y fea, que escondas la comida cuando nadie está mirándote.

Lo primero que uno necesita para enfrentar esta enfermedad son los recursos. Estar dos meses internada en una clínica no es gratis, y no se trata sólo de una hospitalización. Hay que ver un montón de médicos. Mi papá hacía viajes todos los fines de semana para ir a verme.

La gente piensa que es una enfermedad caprichosa, que una baja de peso para ser flaca, regia, pero no es así… Es realmente la pena interna que se refleja en lo físico.

Siempre me he cuestionado por qué decir ‘tengo cáncer’, ‘tengo diabetes’, o cualquier otra enfermedad es normal, y cuando uno dice ‘tengo anorexia’, la gente critica”.

“Yo jamás quise quedar en los huesitos”, lamenta Sophia, quien, en su estado más crítico, llegó a pesar 42 kilos con una dieta que no superaba las 100 calorías diarias. Fue en ese momento, a los 15 años, cuando sus padres la obligaron a ir al psiquiatra tras las actitudes sospechosas que tenía.

“Mi papá insistía en llevarme a un doctor pero yo me negaba, creía que estaba exagerando. Lo encontraba ridículo. Hasta que un día, junto a mi mamá, me agarraron a la fuerza y me llevaron donde un psiquiatra. En esa primera visita estaba en el límite… Continué con un nutricionista hasta que finalmente la pediatra me diagnosticó la enfermedad”.

En la actualidad, Sophia sigue luchando para visibilizar este tipo de problemas corporales. Podés encontrarla en su página o ver antiguas publicaciones en su blog.

 

Una película reciente, que ganó fama justamente por mostrar este tipo de trastornos y hacerlos más evidentes es To the bone («Hasta el hueso»), protagonizada por la famosa actriz Lily Collins.

Se trata de la historia de una adolescente que padece anorexia; a pesar de algunas críticas, según La Vanguardia es la primera vez en el cine que se muestra un desorden alimenticio con tanta sinceridad, ya que en general es uno de los temas de los cuales no se habla.

Lily sostiene que en la etapa de perder peso para la película, recibía cumplidos, y que ahí es cuando la enfermedad se convierte en algo glamuroso si no se visibiliza correctamente. Pero Collins no estaba sola. Antes de ella, muchas otras celebridades lucharon también contra la “glamurización” de la anorexia.

Por eso, es importante reconocer cualquier tipo de actitud extraña en las personas que nos rodean, sean hombres, mujeres, adultxs o jóvenes, incluso niñxs. Cualquier cambio en el hábito de la alimentación puede ser un indicador de otra cosa, que pasa en lo interno y que no podemos ver. Lo más importante es saber que no estás solx.

 


Fuentes

La rebelión del cuerpo
EverydayFeminism
FamilyDoctor
HealthyChildren
BiobioChile
La Vanguardia

We do it together

Artículo por Malena Keegan


La mayoría de las películas y producciones televisivas sigue alimentando un delimitado estereotipo sobre quién es quién, y en especial la mujer. Sin embargo, este asunto excede simplemente a las actrices y el libreto: sólo un 7% de las películas más vistas en Estados Unidos el año pasado fueron filmadas por directoras, y la situación se vuelve más alarmante si se compara el sueldo promedio que perciben los hombres de Hollywood en comparación con el sus compañeras.

Por razones como estas es que en el próximo Festival de Cannes diversas mujeres vinculadas a la industria del cine presentarán una innovadora productora llamada We do it together (“Lo hacemos juntas”), una asociación sin fines de lucro que tiene como objetivo realizar y promover películas hechas por y para mujeres.

La visión de We do it together es que hombres y mujeres trabajen juntos por un cambio en los estereotipos arcaicos vigentes en los medios. Su misión es que, a la hora de ver mujeres en la pantalla, ellas sean representadas con tanta autenticidad y complejidad como sucede con los hombres, persiguiendo mejores historias, reales y con mayor trascendencia.

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Las actrices estadounidenses Jessica Chastain y Juliette Binoche son las caras más conocidas vinculadas a la fundación de la asociación, pero este proyecto cuenta con varias integrantes relacionadas a la industria del cine como Catherine Hardwicke, Zhang Ziyi, Freida Pinto, Amma Asante y Marielle Heller, entre otras.

Una de las principales impulsoras de dicha asociación es la productora Chiara Tilesi, quien presentó el proyecto en la última cumbre anual sobre género de la ONU y explicó: «El cine siempre ha tenido el poder de desafiar las convenciones y cambiar los corazones y las mentes, y tenemos que aprovechar este potencial para desafiar las normas arcaicas que rigen el papel de la mujer dentro de la industria del entretenimiento».

We do it together es el nombre indicado para esta iniciativa de oportunidades equitativas, ya que sólo será posible si lo hacemos juntas, entre todas.

https://vimeo.com/179106208

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«Moana»: salvar antes que ser rescatada

La más reciente película de Disney, “Moana: un mar de aventuras”, nos presenta un nuevo estilo de princesa, diferente al que acostumbramos ver en sus historias más clásicas, donde estas son mujeres delicadas y cuya historia gira entorno a encontrar a un “príncipe azul”.

La historia es sobre una joven de la Polinesia, Moana, futura líder de su isla, la cual es maldecida por la diosa Te Fiti. Ella debe emprender viaje junto a Maui, un semidios quien le había arrebatado a la diosa su “corazón”, para encontrarse con Te Fiti y asegurarse que su hogar no desaparezca.

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La película se estrenó a principios de este año y sus directores fueron John Musker y Ron Clements, creadores de “La Sirenita”, “Aladin” y “Hércules” entre otros destacados trabajos.

Es una película que resalta mucho en diferentes aspectos, tanto en animación como en la calidad de su historia, pero hay tres características que hacen diferente a “Moana” del resto de las películas y de las protagonistas conocidas como “Princesas Disney”.

Es una verdadera heroína:

Moana es realmente una heroína. Ella es elegida por el mar para salvar a su pueblo. Es apasionada, independiente, inteligente y valiente, respeta sus tradiciones y a sus ancestros. Si bien Maui es de gran ayuda, es ella al final la única que puede salvar a su tribu. Es una joven que valora mucho su cultura y que está aprendiendo a ser una buena líder.

Ella decide adentrarse y explorar el océano, más allá de las prohibiciones de su padre. Es consciente de que las soluciones no llegarán a la isla por sí solas, sino que debe ir en busca de ellas. Moana decide “rescatar” en lugar de “ser rescatada”.

Sin historias de amor:

Podría decirse que “Moana” continúa con la línea de princesas Disney exploradoras, valientes y un poco más “independientes”, que no necesitan de un hombre que las rescate, como es el caso de Mulán, la joven guerrera que se vistió de hombre y consiguió salvar a China, o Anna de Frozen, quien salva a su hermana Elsa. Pero en esta película es diferente: no es atravesada por ninguna historia de amor y no existe romance alguno con su compañero de viaje. Su “final felíz” no es junto a un hombre ni haber encontrado al amor de su vida, sino que es el haber demostrado que es una excelente líder capaz de defender a su isla. Aun así, ella no deja de ser una joven apasionada, pues lo que la motiva es el amor que siente por su familia y por quienes viven junto a ella, y la fuerte atracción que siente por el mar.

Su género no es un problema:
Algo destacable es el hecho de que en ningún momento de la película Moana tuvo algún conflicto por ser mujer, como sucedió con “Mulan”, Mérida en “Valiente”, Rapunzel en “Enredados” o en otras películas. Mulan no podía ingresar al ejército por ser mujer, Mérida no podía gobernar sin estar casada y Rapunzel había sido criada creyendo que era muy indefensa para conocer el mundo y salir de su torre, incluso le enseñaron que existían “hombres con colmillos” capaces de hacerle daño. Pero en el caso de Moana no hubo impedimento alguno. Tampoco su pueblo la subestimó ni la consideró débil por su género. Maui tal vez se haya burlado un poco de ella al verla más chica que él pero porque ser egocéntrico es característico de su personaje. En la tribu era algo normal que ella sea quien dirigiese, cosa que dentro del contexto de otras películas Disney tal vez habría resultado ser otro problema más.

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Sin dudas, Moana es otra protagonista que vuelve a resquebrajar el estereotipo de princesa Disney y con cambios muy notorios. Incluso su contextura física es mucho más realista. Es un excelente modelo a seguir para las más chicas, con una figura de princesa y heroína que se asemeja mucho más al rol de la mujer del siglo XXI, a pesar de que su historia haya sucedido supuestamente hace más de tres mil años.

Frozen, ¿feminista?

The Walt Disney Company también ha evolucionado. Ante el cambio de paradigma sobre el ser princesa, las historias contadas en los últimos años han cambiado de color. La centralidad ya no recae en narrar a príncipes que rescatan y desposan princesas, salvándolas de sus penosas vidas: las princesas del siglo XXI son fuertes, valientes, ágiles, seguras, amigables e imperfectas.

Los valores “propios” de la masculinidad y la feminidad comienzan a entrelazarse de un modo más democrático. Las princesas de las películas más recientes de Disney comenzaron a expandir sus posibilidades: ahora, nos encontramos con heroínas que se salen de los roles convencionales que las ataban a una larga y penosa espera del “amor verdadero”, encerradas en una torre, o bien, sumergidas en ensueños.

Frozen (2013) es revolucionaria en varios sentidos. La historia comienza con Elsa y Anna, dos pequeñas hermanas que viven en un castillo como cualquier princesa. Elsa tiene un don especial, poderes mágicos que debe aprender a controlar. Tras un accidente, sus padres deciden separarlas y aislarlas; vence en ellos la tendencia a ocultar antes que buscar soluciones a los problemas.

Transcurren los años, y llega el momento de la coronación de Elsa como nueva Reina de Arendelle, celebración que queda trunca cuando Elsa despliega su incontrolable magia, convirtiendo en hielo todo lo que está a su paso. Tras ser juzgada en la moral de sus súbditos, la reina huye para vivir en soledad en un palacio de hielo y poder encontrar, al fin, la tan ansiada libertad.

Anna, por su parte, es una heroína digna, auténtica, espontánea, imperfecta y bondadosa. Pone todo su optimismo al servicio de la búsqueda de su hermana, para restituir la relación entre ellas y devolver la armonía a Arendelle. Es la verdadera protagonista de la historia. Los gallardos caballeros, en esta ocasión, tienen un papel de acompañantes en la aventura, una suerte de medio hacia un fin: hallarse a una misma en la importancia de los valores familiares.

No es casualidad que el guión haya sido escrito íntegramente por una mujer, quien además codirigió la película, Jennifer Lee. Las fichas técnicas explican a veces los porqués de las perspectivas elegidas. Jennifer Lee es considerada la segunda mujer en dirigir una película animada creada para Walt Disney Pictures, después de Brenda Chapman, directora de Brave (Valiente en Latinoamérica).

La historia de Frozen es una gran parodia a las clásicas animaciones de Disney: las protagonistas son dos princesas y una de ellas espera encontrar el verdadero amor de un príncipe pero, como moraleja, el acto de amor real concluye en la sororidad, la reconciliación y salvación entre hermanas. La importancia de la familia, la libertad y el poder ser uno mismo.

En este sentido, Shrek (2001) podría considerarse como el puntapié inicial de una transformación enorme en la producción de dibujos para el público  infantil, muy distante del argumento de La bella y la bestia (1991), animación con la que ha crecido toda una generación. En los últimos 20 años, los conceptos de príncipe, princesa y amor verdadero han empezado a cambiar, a volverse más inclusivos y expansivos. Hay aún mucha más tela para cortar.

Las animaciones de los últimos años nos revelan, por ejemplo, que la relación entre hermanos puede volverse fría por falta de comunicación, que la búsqueda del amor verdadero no tiene que implicar a un príncipe, que el miedo puede convertirse en el peor enemigo, que las mujeres también son fuertes y valientes, y que el amor puro puede derretir hasta el más frío de los corazones.

Thelma y Louise, un clásico feminista

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Año: 1991

País: Estados Unidos

Director: Ridley Scott

Guión: Callie Khouri

Duración: 129 min.

Reparto: Susan Sarandon, Geena Davis, Michael Madsen, Brad Pitt

Género: Drama, policial, Road Movie

Dos intimas amigas, cansadas de la rutina, deciden irse por un fin de semana a una cabaña para divertirse y olvidar los problemas de sus vidas. En el transcurso del viaje, las protagonistas se verán marcadas por la tragedia consecuente a una noche de copas que tendrá, como fin, la decisión de huir hacia una nueva vida y luchar por liberarse de la opresión masculina.

Thelma y Louise fue una película controversial de principios de los ´90, por presentar a dos personajes femeninos principales, por lo que fue acogida como una película de culto por el movimiento feminista y por denunciar abiertamente el machismo impreso en la sociedad. Debido a esto, su rodaje se tardó varios años por la negativa de las productoras de filmar una película con un reparto secundario de hombres que son sometidos, en ocasiones, por mujeres que buscan tener el control de las situaciones.

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La cinta comienza cuando Thelma (Geena Davis) decide aceptar, a pesar de la negativa de su estricto marido (Christopher McDonald),  la propuesta de su amiga Louise (Susan Sarandon) de recluirse por un fin de semana en la cabaña de su jefe. En la primera noche de la odisea, Thelma se ve amenazada por un borracho que quiere violarla a la salida de un bar country, por lo que su compañera, presa de la furia al revivir ante sus ojos lo que una vez fue su suerte, entra en acción y mata al hombre.

A partir de este punto, el FBI se encarga del crimen y emprende la búsqueda de las sospechosas y a su vez las amigas deciden apoyarse mutuamente e iniciar su escape hacia México, ya que se niegan a ir a prisión por defenderse de un intento de violación. Durante su huida como criminales se topan con varios personajes que fomentan su crecimiento personal y psicológico en la rebeldía por lo que reafirman su ideal de ser libres sin importar el precio que la libertad conlleve.

El largometraje, en sus primeros minutos, disimula ser una comedia que con el correr de la cinta muestra su verdadero propósito, a través del drama y la aventura,  que es la denuncia y la instalación de dos mujeres fuertes que arrasan con las barreras y  reglas sociales para ser felices y fieles así mismas, mediante la imposición de respeto hacia su persona.

Uno de los temas centrales de la obra, además de la libertad y el feminismo, es la amistad, ya que se ve reflejado en el comportamiento de las protagonistas el cariño y cuidado mutuo durante los eventos que atraviesa, que tiene como clímax el respaldo de una decisión fatal para emanciparse de la opresión. Otro elemento a resaltar, es que, a diferencia del cliché, ninguna de las dos se envidia, tratándose de una camaradería sincera entre dos mujeres.

También es notorio el cambio psicológico de las compañeras, ya que en un comienzo, las personalidades de Thelma y Louise eran casi opuestas, al ser la primera risueña e inocente y la segunda fuerte e independiente. Hacia el final de la historia, victimas de los sucesos, Thelma asume la fortaleza que mantenía escondida y Louise deja ver su lado más sensible. Estos cambios no solo se traslucen en las acciones, sino también en la elección del vestuario.

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La violación y la venganza son dos de los pilares fuertes del filme, ya que los personajes se encuentran reticentes en primera instancia a confiar en los hombres, aunque algunos de los intérpretes masculinos se destacan por demostrarles su buena voluntad y revertir la mala imagen que su inconsciente guarda.

Por un lado, Thelma encuentra liberación sexual, ya que decide engañar a su marido con un joven ladrón, con quien experimenta pasión y placer, llegando así, por primera vez al orgasmo y a la satisfacción que su cónyuge le negaba. Por otro, Louise, quien creía que no había un hombre que la pudiese enamorar, descubre lo contrario en manos de su novio, que no solo la asiste, sino que le propone matrimonio. Sin embargo, ambas se eligen a sí mismas y continúan con su viaje.

El final del filme es inesperado y emocionante, ya que hace reflexionar al público sobre el valor de la independencia y la lucha constante por la autonomía. Hubo varias críticas opuestas sobre el desenlace, que se distinguen entre quienes lo comprenden como el triunfo sobre el patriarcado o como la derrota ante un sistema abusivo. Sea cual fuere el mensaje que el espectador elija, la decisión última de la cinta es tomada por las dos amigas que deciden acompañarse y ser libres hasta el fin.

«Thelma y Louise» es una obra icónica, que no solo influenció a varias generaciones a reclamar igualdad y respeto, sino que también se instaló en la cultura popular, ya que en muchas series, películas e incluso canciones, se hace referencia a las protagonistas. Debido a esto y al elogio de especialistas, se trata de una cinta de culto feminista que no puede escapar, primeramente a ningún cinéfilo, y a ninguna persona que aprecie las historias profundas y liberadoras.

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